sa.haerentanimo.net
وصفات جديدة

إعادة افتتاح معرض الفن والروح في واشنطن العاصمة بعد التجديد

إعادة افتتاح معرض الفن والروح في واشنطن العاصمة بعد التجديد


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


يقدم مطعم آرت سميث الشهير للشيف في العاصمة المأكولات من المزرعة إلى المائدة

يدمج Art and Soul العناصر الطبيعية في ديكوره للتأكيد على قائمة المطعم من المزرعة إلى المائدة.

طاه بارز آرت سميث (من Atlanta's Southern Art ، من بين آخرين) أعاد افتتاح Art and Soul ، وهو مطعم مستوحى من الجنوب ، بعد تجديد لمدة شهر واحد لمنطقة تناول الطعام والبار وغرفة الطعام الخاصة. يتميز المظهر الجديد بعناصر طبيعية وريفية. يمكن أن يتوقع داينرز رؤية علامات المزرعة الكلاسيكية المرسومة يدويًا والفن الشعبي التقليدي الذي يكمل قائمة المطعم من المزرعة إلى المائدة. يمكن للضيوف طلب الأطباق الكلاسيكية "المفعمة بالحيوية" ، مثل الدجاج المقلي والفطائر ، أو الاختيار من أقسام جديدة في القائمة ، "للطاولة" و "الأواني" ، والتي تشمل مقبلات مثل البيض المهروس وقشور لحم الخنزير ، بالإضافة إلى المقبلات مثل البامية المأكولات البحرية والبط القلبية وحساء الفاصوليا (من المفترض أن تكون مشتركة).

تجسد اللوبي المعاد تصميمه ، والذي يتدفق بسلاسة إلى الفن والروح ، حديقة حضرية حديثة. من أبرز ما يميز الفضاء الجديد لوحة متعددة الوسائط تضع خرائط عتيقة وتاريخية لواشنطن العاصمة ، مع مواد من مكتبة الكونغرس ، بما في ذلك الرسوم الكاريكاتورية السياسية ، ومقالات من القرن التاسع عشر ، وصور فوتوغرافية. يوازن العمل الفني من خلال محور اللوبي ، "شجرة" مجردة مصنوعة من الخشب المعاد تدويره والتي ترمز إلى أساس عاصمة الأمة وتأثيرها على بقية العالم.

يمكن للمسافرين الذين يرغبون في الإقامة في الفندق والاستمتاع بالطعام في Art and Soul الاستمتاع بالعرض الترويجي الخاص بفندق The Liaison Capitol Hill. العرض متاح للضيوف حتى 2 سبتمبر ويشمل الإقامة في غرفة ضيوف تم تجديدها مؤخرًا بالإضافة إلى رصيد بقيمة 100 دولار لتناول الطعام والمشروبات لكل ليلة في Art and Soul.

تيريزا توبات هي محررة مدينة السفر بواشنطن العاصمة في The Daily Meal. تابعها على تويتر @ ttobat88. عرض موقعها على الإنترنت على teresaktobat.com.


إعادة افتتاح معرض الفن والروح في واشنطن العاصمة بعد التجديد - الوصفات

الاثنين وأمبير الثلاثاء
مغلق

الأربعاء السبت
5:00 مساءً - إغلاق

الأحد برانش
10:00 ص - 4:00 م

الساعات السعيدة
الاربعاء الجمعة
4:00 م - 7:00 م

أقرب محطات مترو

الخط البرتقالي / الأزرق

خروج مكفرسون سكوير: شارع فيرمونت / البيت الأبيض
فراجوت الشمالية
(الخط الأحمر يتجه يسارًا على K St ويمشي على بعد كتلتين من الأبنية إلى الشارع الخامس عشر ، وانعطف يسارًا)

فراجوت الشمالية
الخروج من شارع كونيتيكت
سر ثلاث بلوكات شرقا في شارع K
انعطف يمينًا في الخامس عشر من متجر CVS Drugstore
نحن في منتصف الطريق من خلال الكتلة


سيحصل معارضو معرض Corcoran Gallery of Art على جلسة استماع

تعرض معرض Corcoran للفنون في واشنطن لانتكاسة مفاجئة في المحكمة هذا الأسبوع عندما حكم قاضٍ بأن أعضاء مجموعة تعارض صفقة الاستحواذ المخطط لها للمؤسسة مع المتحف الوطني للفنون وجامعة جورج واشنطن يتمتعون بمكانة قانونية وسيكونون قادرين على الحصول على سمعت المظالم.

يوم الإثنين ، حكم القاضي روبرت أوكون في المحكمة العليا في العاصمة بأنه يجب السماح لتسعة أعضاء من مجموعة Save the Corcoran كأطراف متدخلة في خطة Corcoran. ووفقًا للمجموعة ، فإن التسعة تشمل الطلاب الحاليين وعضو هيئة التدريس وعضو هيئة التدريس في المعرض.

أكد قرار أوكون أن للأفراد مصلحة خاصة في الإجراءات ويمكن أن يتأثروا بالنتيجة. يعني القرار أن الأطراف المتنازعة ستجتمع في جلسة استماع تشمل شهادة الشهود وغيرها من الأدلة.

في وقت سابق من هذا العام ، شرع مسؤولو كوركوران في خطة من شأنها أن تستوعب المؤسسة الفنية من قبل المعرض الوطني للفنون و GWU. واجهت Corcoran العديد من التحديات المالية على مر السنين واستكشفت ترتيبات الاندماج أو الاستحواذ مع منظمات أخرى.

لا تزال صفقة الاستحواذ الحالية بحاجة إلى موافقة المحكمة قبل أن يتم الانتهاء منها. في وقت سابق من هذا الصيف ، قدمت منظمة Save the Corcoran أوراقًا في المحكمة لوقف الاستحواذ ، بحجة أن قادة Corcoran أساءوا إدارة الشؤون المالية للمؤسسة وأن الصفقة "ستدمر Corcoran إلى الأبد".

قال محامو Corcoran في ردهم إن الدعوى القضائية كانت تسعى إلى "عرقلة من أجل عرقلة" وأن الاستحواذ هو "الترتيب الأنسب" للحفاظ على مجموعة Corcoran الفنية وتجديد مبنى Corcoran المصمم على طراز الفنون الجميلة. .

تمتلك مؤسسة Corcoran غير الربحية مجموعة من 17000 قطعة من الفن الأمريكي من القرن الثامن عشر حتى الوقت الحاضر.


خريطة الكنز للسرعة: دليل لمتحف الفن الذي أعيد افتتاحه مؤخرًا

هذا أحد الشعارات التسويقية التي يستخدمها متحف Speed ​​Art عند إعادة افتتاحه بعد تجديد وتوسعة بقيمة 60 مليون دولار.

لذلك طلبنا أولاً من القيمين على Speed ​​التحدث إلينا عن فنهم المفضل الذي يجب مشاهدته من المجموعة الدائمة للمتحف ، وهو شيء يريدون أن يراه الزوار. لقد جعلت رؤاهم العمل الفني ينبض بالحياة ، والأهم من ذلك ، أن يصبح شخصيًا.

الآن سأقوم بتسمية مفضلاتي. نعم ، قد تمتلك السرعة ، تسكنها وتزيل الغبار عنها ، لكنها ملكي. القائمة التالية مليئة بأصدقائي القدامى. أقترح عليك زيارة والعثور على الأشياء المفضلة لديك ، وجعلها حقًا "متحف Speed ​​Art".

هندريكس تنهيدة جونسون

"Hendrix Sigh Johnson" لستيفن رولف باول ، جلاس (1992)

معرض حديث ومعاصر

لقد منحني الفن الكثير من الحب. كمؤرخ للفن الزخرفي الحديث والمعاصر ، لدي نوع. لكنني متقلب ، فاللوحة أو النحت أو المبنى أو الصورة الرائعة يمكن أن تقلب رأسي بسهولة.

لدي علاقة طويلة الأمد مع الزجاج. عند عودتي إلى لويزفيل ، تعرفت على أعمال فنان الزجاج في كنتاكي المشهور عالميًا ستيفن رولف باول. يمكن مشاهدة قطعه النحتية الكبيرة ، ذات الألوان الزاهية والنسيجية للغاية ، عبر غرفة مزدحمة. أو ، في هذه الحالة ، معرض متحف.

يأتي اللون والملمس من خرز موريني الإيطالي. هذه الدوائر غير المنتظمة تنتشر في زجاجه ، بقدر 2500 على قطعة واحدة.

يميل باول إلى تسمية عمله بأسماء غير منطقية وغامضة. تحتوي سلسلة "Teaser" ، التي تتضمن هذه القطعة ، على عناوين من ثلاث كلمات تنتهي إما بـ Smith أو Johnson أو Jones. لدي قطعة خاصة بي من زجاج باول ، حبة موريني صفراء وسوداء يبلغ قطرها بوصتين أعطاني إياها. أنا أوفر لجمع المزيد ، وآمل أن أعلق على إناء طويل منتفخ. في غضون ذلك ، سوف أزور هذا.

نموذج دائري II

"Carousel Form II" لسام غيليام ، أكريليك على قماش (1969)

معرض حديث ومعاصر

ميراندا لاش ، أمينة سبيد للفن المعاصر ، أطلقت على هذه اللوحة اسم إحدى القطع المفضلة لديها في المتحف. انها واحدة لي ايضا على الرغم من أن وصفها بأنها لوحة يكاد يكون خاطئًا ، إلا أنها تتمتع بجودة ثلاثية الأبعاد ، مثل النحت ، لأنها كبيرة جدًا وليست على نقالة خشبية.

تخرج غيليام في جامعة لويزفيل عام 1961 بدرجة الماجستير في الفنون الجميلة في الرسم. سرعان ما انتقل إلى واشنطن العاصمة ، وأصبح في النهاية جزءًا من مدرسة ألوان واشنطن ، وهي فرع من الخمسينيات من القرن الماضي التعبيرية المجردة.

تسببت سلسلة "رايات" في أواخر الستينيات في إثارة ضجة في عالم الفن. الطيات الحسية لهذه اللوحات التجريدية المعلقة ، إلى جانب موجات اللون ، تخلق مساحة مسرحية تمامًا.

عندما كنت أعيش في العاصمة ، كان زملائي في العمل في متحف سميثسونيان للفنون الأمريكية يعلمون أنه من لويزفيل وشددوا على أنني يجب أن أزور الاستوديو الخاص به. غيليام معروف بالخجل ولم أرغب في فرضه. عندما التقيت به أخيرًا في معرض ، كانت لويزفيل موضوع حديثنا القصير.

عرض The Speed ​​معرضًا بأثر رجعي لفنه في عام 2006. كان غيليام حاضرًا ، ولا يزال خجولًا ومتواضعًا ، ولكنه سعيد لكونه من بين أعمال حياته.

بدون عنوان

"بدون عنوان" لإيد هاميلتون ، برونزي ، حجر جيري (2000)

معرض كنتاكي

إد هاميلتون كنز محلي يجب أن نشاركه مع العالم. من تعرف أيضًا من لديه لافتة "Hometown Hero" على مبنى محلي بالإضافة إلى موقف للسيارات لقطعة من أعماله الفنية (نصب لنكولن التذكاري على الواجهة البحرية)؟

أصبح فنانًا معروفًا على المستوى الوطني عندما فاز في المسابقة لإنشاء نصب تذكاري مخصص للجنود الأمريكيين من أصل أفريقي الذين قاتلوا في الحرب الأهلية. يضم فيلم "روح الحرية" في واشنطن العاصمة ثلاثة جنود وبحار على جبهة محدبة غير عادية. تمثال نصفي لجندي الاتحاد في مجموعة Speed ​​هو أحد تلك الأرقام الكاملة. وفوقه يوجد تجسيد للروح الذي يوجه الجميع نحو الحرية.

تشتهر هاملتون بإبداعها فنًا متحركًا عاطفياً ومليئًا بالإنسانية ومعقدًا تقنيًا. "روح الحرية" هو أقوى أعماله ، ويرجع ذلك إلى حد كبير إلى أنه يتضمن على ظهره المقعر نقشًا منحوتًا يمثل تلك العائلات التي تُركت وراءه.

يذكرني هذا التمثال النصفي بدون عنوان بالروحانية في فن هاملتون. كما ذكرت من قبل ، فهو مؤرخ للجسد والروح والمكان والزمان وقد تصادف أنه عمل في المعدن.

طائر الجنة

"عصفور الجنة" توتس زينسكي ، جلاس (1987)

معرض ديسكفري

من المناسب أن تكون توتس زينسكي في معرض ديسكفري ، لأنها كانت اكتشافًا مبكرًا في حياتي الفنية. أي تاريخ للفن كان لدي عندما كنت طفلاً يتمحور حول الأساتذة ، مثل فنسنت فان جوخ (طفل مفضل) ومايكل أنجلو وليوناردو دا فينشي. كل الذكور ، وجميع الفنون الجميلة.

كنت في مسار مختلف ، مهتمًا بالحركات الفنية المرتبطة أكثر بالفنون الزخرفية ، مثل الفن الحديث والفنون والحرف اليدوية وآرت ديكو. سرعان ما توسع ذوقي ليشمل الحرف المعاصرة بجودة المتاحف.

إعلان

في الوقت نفسه ، كنت أتعلم معنى أن تكون نسوية. أردت أن أجد فنانات يعملن في عالم الفن الموسع. هذا عندما اكتشفت توتس زينسكي.

امرأة في عالم الرجل كانت المراحل الأولى من حركة زجاج الاستوديو ، احتضنت Zynsky لقبها "toots" ، وهي كلمة عامية للنساء ، واستخدمتها بشكل احترافي (اسمها الحقيقي هو ماري آن). كانت جزءًا من الفريق الأصلي ، بقيادة المبدع الزجاجي Dale Chihuly ، الذي طور مدرسة Pilchuck Glass School في أوائل السبعينيات. أسلوبها المميز ، الخيوط الزجاجية الملونة المصهورة على شكل إناء متموج ، هو جمال ملهم مذهل.

دورة الحياة (المجال العسكري

"Cycle of Life (Armillary Sphere)" بقلم بول مانشيب ، برونزي مذهب (1924)

معرض ديسكفري

أتذكر المرة الأولى التي رأيت فيها قدرًا كبيرًا من المنحوتات لبول مانشيب. كنت في واشنطن العاصمة في متحف سميثسونيان للفنون الأمريكية. أنا معجب بآرت ديكو ، وهو أحد أشهر المؤيدين الأوائل لهذا الأسلوب. يحتوي المتحف على مجموعة رائعة من أعمال مانشيب ، وهو شيء لم أكن أعرفه حتى قمت بجولة في صالات العرض.

أظن أنك شاهدت أعماله أيضًا ، إما شخصيًا أو في أي فيلم أو عرض تلفزيوني في مدينة نيويورك. أشهر قطعه (وأحد أكبرها) هي "نافورة بروميثيوس" في ساحة مركز روكفلر.

يشتهر مانشيب بحداثته اليونانية الرومانية الأنيقة والمنمقة. عادة ما يجمع بين الشكل البشري والأساطير والعمل ، على الرغم من أنه خلق حيوانات عظيمة أيضًا. يتكون عمل سبيد من ثلاثة أشكال ، تمثل عائلة ، تقع داخل قاعدة الكرة الحربية (خريطة قديمة للكواكب والنجوم). الأسرة مجتمعة مع الكرة تمثل رمزه لدورة الحياة.

الطفل

"الطفل" لماري كاسات ، زيت على قماش (حوالي عام 1905)

المعرض الأمريكي والأوروبي

كنت أرغب في الربت على مؤخرة هذا الطفل لعقود.

اسأل شخصًا ليس على دراية بالفن أن يسمي فنانة وربما سيقولون ماري كاسات أو فريدا كاهلو أو جورجيا أوكيفي (يمكنهم عادةً تسمية فنان ذكر إذا كانوا من عشاق سلاحف النينجا). من المفيد أيضًا أن عمل كاسات في الانطباعية ، أحد الأساليب التاريخية الأكثر شعبية في أمريكا اليوم.

كامرأة من عائلة ثرية ، كانت هناك توقعات عائلية ومجتمعية لها. كونك رسامًا محترفًا لم يكن أحدهم. بعد أن نبذها والدها ، توجهت إلى باريس عام 1874 ، ثم عاصمة الفن في العالم. وجدت مكانتها عندما بدأت في رسم الأطفال والنساء والنساء مع الأطفال. خفف موضوع الإناث التقليدي من عملية الانتقال.

كانت هذه اللوحة دراسة للمنافسة. بعد أن علمت بالفساد السياسي المرتبط بمبنى ولاية هاريسبرج الجديد بولاية بنسلفانيا ، أزلته من مسابقة التصميم. وصلت في النهاية إلى السرعة ، وهي بالتأكيد ميزة إضافية لنا جميعًا.

مزهرية

إناء من سارة ساكس لفخار روكوود

خزف (1910)

المعرض الأمريكي والأوروبي

أقوم بجمع الفخار الفني الأمريكي ، وهو فئة فرعية من حركة الفنون والحرف الأمريكية التي بدأت في أواخر القرن التاسع عشر. كان الخزف إما مُلقى باليد أو مصبوبًا بالقوالب ، بزجاج صلب غير لامع ، وتصميمات منقوشة أو صور مزخرفة يدويًا. كان شكلاً من أشكال الفن يرحب بالمرأة ، حيث كان الخزف هواية مناسبة للسيدات المحترمات ، قبل الزواج وبعده.

قطعتان من قطعتي من تصميم Rookwood Pottery في Cincinnati ، وهي واحدة من أفضل قطع الفخار في يومها. تم افتتاحه في عام 1880 ، لكنه تراجع خلال فترة الكساد الكبير وأغلق أخيرًا في عام 1967 ، بعد فترة طويلة من معظم شركات صناعة الفخار الفني.

كانت سارة ساكس واحدة من مصممي الديكور في روكوود. يزين تفسيرها المنمق لعنصر ريش الطاووس الشهير الجزء الأمامي من إناء قياسي الشكل. ومع ذلك ، لا يوجد شيء معياري بشأن مهارتها وأسلوبها.

المرآة والمزهرية

مرآة ومزهرية من تصميم لويس كومفورت تيفاني

مرآة برونزية (حوالي عام 1905) ، مزهرية زجاجية (حوالي عام 1900)

المعرض الأمريكي والأوروبي

أصبح Louis Comfort Tiffany علامة تجارية ذات اسم ، على الرغم من أن معظم الناس يعتقدون خطأً أنه متجر Tiffany & amp Co في نيويورك (هذه شركة والده). يُطلق على معظم مصابيح الزجاج الملون خطأً اسم مصابيح تيفاني. لقد عمل بالفعل في وسائط متعددة ، والأمثلة في Speed ​​تساعد المشاهدين على فهم مدى تعقيد الفنان.

كان يمتلك أو كان جزءًا من العديد من الشركات ، بما في ذلك Tiffany Studios و Tiffany Glass and Decorating Co. لم يكن دائمًا المصمم أو العامل ، لكننا نعرف اسم تيفاني إلى حد كبير بسبب جودة الفن وروحه.

كثير من الناس يتخيلون العثور على لوحة بيكاسو في العلية. أنا؟ لتكن نافذة زجاج ملون موقعة من تيفاني ، من فضلك.


فندق بونتشارترين

نيو أورليانز، لويزيانا

الكوكتيلات في بار Hot Tin الموجود على السطح في Pontchartrain.

حتى في مدينة غارقة في التقاليد والازدهار الكبير ، تبرز بونتشارترين التي أعيد افتتاحها حديثًا. منذ بدايتها في عام 1927 ، استضافت الدعامة الأساسية في نيو أورلينز الجميع من تينيسي ويليامز (الذين عملوا في عربة اسمها الرغبة هناك) لريتا هايوورث إلى الأبواب ، ويتذكر سكان كريسنت سيتي باعتزاز الوجبات الفخمة من Crabmeat Remick و Shrimp Saki و Mile High Pie المميز للفندق في غرفة الكاريبي المطلوبة للسترات. تتميز التجربة الحديثة المعاد تصميمها بعناية بالكثير من لمسات الحنين إلى الماضي. عند تسجيل الوصول ، تحصل على مفتاح معدني ضخم (سيحمله المكتب أثناء استكشافك للمدينة). تأتي الغرف الملونة بديكور مستوحى من منطقة Garden District (مكاتب من الخيزران ، وتنجيد بألوان الجواهر) ، وعاد البيانو القديم الصغير إلى حانة Bayou Bar. لكنها ليست ارتدادًا تمامًا. في حين أن بار Hot Tin الموجود على السطح يلعب بأجواء الأربعينيات من القرن الماضي ، فإنه يفتح مع مناظر شاملة لوسط المدينة المعاصر للغاية. وفي الغرفة الكاريبية الجديدة التي يديرها جون بيش ، المليئة باللون الأخضر الزمردي والمخمل الوردي الباهت ، لا يزال بإمكانك طلب فطيرة Mile High Pie ذات الألوان الثلاثة ، ولكن في إيماءة مبهجة ، ستجد صورة لمدينة نيو أورلينز الأصلية ليل واين ابتسامة عريضة فوق شريحة في الصالة المجاورة. السترات ، ومع ذلك ، لا تزال مطلوبة. thepontchartrainhotel.com

مدخل شارع سانت تشارلز المظلل بالبلوط إلى فندق بونتشارترين.


إعادة افتتاح معرض الفن والروح في واشنطن العاصمة بعد التجديد - الوصفات

يعتبر مطعم Ben's Chili Bowl الواقع في شارع U معلمًا بارزًا في واشنطن منذ افتتاحه في عام 1958. ومنذ ذلك الحين ، كان يقدم الفلفل الحار الشهير لمؤسس بن علي فوق الطعام الرئيسي المعروف في العاصمة: الفلفل الحار نصف المدخن. (مصدر الصورة: المشاع الإبداعي)

"بن هو مكان مألوف ومريح حيث لا يشعر بنبض المجتمع فحسب ، بل يُسمع أيضًا ، المكافئ الشمالي للمحادثات المثيرة المليئة بالضحك والتاريخ الذي يُعقد في الشفق على الشرفات الجنوبية ، آخر عالم يتلاشى حيث الجميع كان يعرف أي شخص آخر ، وحتى عندما تحدثوا عنك ، لم يقصد أحد حقًا أي ضرر لك ". [1] - واشنطن بوست 1989

وفقًا للشريك المؤسس فرجينيا علي ، لم يكن مطعم Ben’s Chili Bowl أبدًا "مطعمك النموذجي". [2] على عكس المطاعم الأخرى في الخمسينيات من القرن الماضي ، اعتقد بن زوج فرجينيا أن "واشنطن قد تكون جائعة لنوع من الأطباق الحارة التي كان يعرفها أثناء نشأته في منطقة البحر الكاريبي" ، ولذلك ابتكر وصفته الخاصة للفلفل الحار - والتي لا تزال قائمة سر عائلي يخضع لحراسة مشددة. [3]

(مصدر الصورة: مكتبة الكونغرس)

كان العنصر الفريد للمطعم في البداية هو أن "الفلفل الحار من Ben كان يقدم فقط فوق الهوت دوج أو نصف مدخن أو الهامبرغر" وليس بجانب الوعاء كما يوحي اسم المكان. [4] اختراع بن نصف دخان الفلفل الحار (الذي لم يجربه بنفسه أبدًا لأن عقيدته الإسلامية تمنعه ​​من أكل لحم الخنزير) سرعان ما أصبح عنصرًا غذائيًا أساسيًا في العاصمة ، وعلى مدار العشرين عامًا التالية ، تغلب المخلصون في واشنطن على عدد كبير من عقبات كبيرة للحصول على الإصلاح نصف دخان الفلفل الحار.

جاء بن علي ، وهو مهاجر من سان خوان ، ترينيداد ، إلى الولايات المتحدة في عام 1945 للالتحاق بالجامعة ، وفي النهاية أصبح طبيباً. التحق في البداية بجامعة نبراسكا ، لكنه اضطر إلى أخذ إجازة عدة أشهر للتعافي من كسر ظهره بعد سقوطه في عمود المصعد. [5] بعد ذلك ، التحق بأربع كليات أخرى قبل تخرجه أخيرًا من جامعة هوارد في شو. بدأ بعد ذلك في كلية طب الأسنان في هوارد ، لكنه ترك الدراسة في وقت لاحق ، وقام بتغطية نفقاته من خلال القيام بكل شيء من طاولات الانتظار وبيع العقارات إلى قيادة سيارات الأجرة. [6]

ومع ذلك ، في عام 1957 ، لفت انتباه بينز عقار شاغر في شارع U ذو تاريخ مثير للاهتمام. في عام 1910 ، كان المبنى الذي تم تشييده حديثًا موطنًا لأول دار أفلام صامتة يملكها السود في البلاد: Minnehaha الواقع في 1213 U Street. اشترى مؤدي الفودفيل الأمريكي الأفريقي شيرمان إتش دادلي المؤسسة ، ومن عام 1913 حتى عام 1920 ، كان مسرح دودلي الذي أعيدت تسميته حديثًا بمثابة مسرح فودفيل يضم 200 مقعدًا. [7]

في عام 1910 ، كان الموقع الحالي لـ Ben هو موطن Minnehaha - أول دار أفلام صامتة يملكها السود في البلاد. من عام 1913 إلى عام 1920 ، كان المبنى عبارة عن مسرح فودفيل يتسع لـ 200 مقعدًا مملوكًا لممثل الفودفيل الأمريكي من أصل أفريقي شيرمان إتش دودلي. (مصدر الصورة: Zagat)

عندما بدأت أعمال الفودفيل والأفلام الصامتة في التلاشي ببطء بسبب إدخال "توكيز" (الأفلام ذات الصوت) ، انتقل المسرح إلى قاعة البلياردو. [8] بعد إغلاق قاعة البلياردو في عام 1957 ، انتزع بن الممتلكات ، وبدأ عملية تجديد لتحويله إلى مطعم. أثناء إجراء هذا التجديد ، قام بن بعدة رحلات إلى البنك الصناعي في الساعة 11 و U حيث التقى بزوجته المستقبلية فيرجينيا رولينز. [9] افتتح بن ، ثم خطيبته فيرجينيا ، بينز تشيلي باول في 22 أغسطس 1958 ، وتزوجا بعد شهرين.

بن وفيرجينيا علي في يوم زفافهما عام 1958 - بعد شهرين فقط من افتتاحهما المطعم. (مصدر الصورة: موقع Ben's Chili Bowl الإلكتروني)

جاء افتتاح مطعم بن في خضم عصر "بلاك برودواي" في شارع يو ستريت. في واشنطن المنعزلة في القرن العشرين ، لم يكن الأمريكيون الأفارقة ، سواء كانوا مشهورين أم لا ، موضع ترحيب في العديد من أماكن الاستراحة والمطاعم والمسارح في وسط العاصمة ، وبالتالي بدأوا مجتمعًا حيويًا مكتفيًا ذاتيًا خاصًا بهم في الولايات المتحدة. حي الشارع. سرعان ما أصبحت هذه المنطقة موطنًا لمجتمع الطبقة الوسطى من السود في واشنطن ، ومع قيام جامعة هوارد بدور المرساة في المنطقة ، نشأت مؤسسات أخرى تروج للتعليم والثقافة والفنون ، بما في ذلك العديد من المسارح الكبرى التي ساعدت في ولادة اسم "بلاك برودواي". " من أشهر المسارح التي ترسخت في هذه المنطقة مسرح هوارد ، بوهيميان كافيرنز ، ومسرح لينكولن. [10]

يقع Ben’s Chili Bowl في مكان مناسب في قلب منطقة الترفيه في شارع U - بجوار مسرح لينكولن ، وعلى بُعد مسافة قصيرة سيرًا على الأقدام من المسارح ونوادي الجاز الأخرى. يقع Ben في وسط الحدث مباشرةً ، وسرعان ما أثبت نفسه على أنه المكان الذي ذهب إليه الموسيقيون بعد العربات - خاصةً فناني الجاز الأمريكيين من أصل أفريقي الذين لم يتم الترحيب بهم في وسط المدينة. في الواقع ، كان من الشائع العثور على عظماء مثل Cab Calloway ، و Sara Vaughan ، و Ella Fitzgerald ، وحتى أسطورة موسيقى الجاز Duke Ellington من U Street ، حيث كانوا يقومون بالتوقف بحثًا عن كلب حار عندما كانوا يلعبون النوادي في المنطقة. [11] أشار برنارد ديمشوك ، أستاذ تاريخ الأمريكيين من أصل أفريقي في جامعة جورج واشنطن ، والمؤرخ الرسمي لبين إلى أنه "عندما يأتي كاب كالواي ، بمجرد حصوله على اثنين من كلاب الفلفل الحار ، ستجعله التوابل يرقص لأعلى ولأسفل الممر ، بالنقر على بضع خطوات ". [12]

يقع بينز بجوار مسرح لينكولن الشهير في شارع يو. أثبت هذا أنه موقع متميز للمطعم حيث اجتذب جميع موسيقيي الجاز الرائعين لقضاء نصف دخان في وقت متأخر من الليل بعد العربات في المنطقة. كان الموسيقيون الأمريكيون من أصل أفريقي مثل Cab Calloway و Ella Fitzgerald و Duke Ellington ، مجرد بعض من الكثيرين الذين أسسوا بينز كوجهة لهم لأنهم لم يكونوا موضع ترحيب في أماكن الاستراحة في وسط العاصمة (مصدر الصورة: مكتبة الكونغرس)

لم يكن بين موسيقيين مشهورين فقط - عقد القادة السياسيون اجتماعات هناك أيضًا ، وأصبح المطعم مكانًا مهمًا بشكل خاص خلال حركة الحقوق المدنية. كان المقر الرئيسي للجنة التنسيق الطلابية اللاعنفية (SNCC) عبر الشارع وكان رئيسها ، Stokely Carmichael ، يأكل في Ben’s كل يوم ، ويستخدم المطعم كمركز توعية. حتى أن الدكتور مارتن لوثر كينغ كان يذهب إلى بن لتناول طعام الغداء من حين لآخر ، عندما كان يزور واشنطن. [13]

بعد اغتيال الدكتور كينغ في عام 1968 ، اندلعت واشنطن في أعمال شغب عنيفة اجتاحت حي يو ستريت لمدة خمسة أيام. في حين أغلقت العديد من المطاعم والشركات بسبب الاضطرابات ، حصل بن علي على إذن خاص من الشرطة لإبقاء مطعمه مفتوحًا أثناء أعمال الشغب ، وكان أحد المطاعم القليلة في المنطقة التي وفرت مكانًا للمتظاهرين وضباط الشرطة ورجال الإطفاء. ليأكلوا في خضم العنف. [14] مثل العديد من أصحاب الأعمال الأمريكيين من أصل أفريقي ، كتب بن عبارة "Soul Brother" على نافذة مطعمه بالصابون في محاولة لتعريفها على أنها شركة مملوكة للسود وتثبيط التخريب. [15] سواء كان هذا العمل ، أو شعبية المطعم ، أو مجرد حسن الحظ ، فقد نجح Ben في الخروج من أعمال الشغب التي لم تمسها الحرائق والتخريب الذي دمر العديد من الشركات الأخرى في شارع U.

1968 مشاهد أعمال شغب في العاصمة في منطقة الشوارع 14-7. في حين تم تدمير معظم الأعمال التجارية في حي U Street في أعمال الشغب هذه التي اندلعت بعد اغتيال مارتن لوثر كينغ جونيور ، لم يمس بينز واستمر في العمل خلال الأيام الخمسة العنيفة. (مصدر الصورة: مكتبة الكونغرس)

في السبعينيات والثمانينيات من القرن الماضي ، واجه U Street ارتفاعًا كبيرًا في الجريمة والمخدرات في أعقاب أعمال الشغب. كما قال نظام علي ، أحد أبناء بن:

"كان هناك قدر سخيف من الاتجار بالمخدرات والجريمة ، وكانت العاصمة عاصمة جرائم القتل في العالم طوال تلك السنوات. لكننا نشعر دائمًا بالأمان. كان دائمًا مكانًا نحترم فيه العميل بغض النظر عن هويتهم وكانوا يهتمون بنا في الغالب. كان الناس دائمًا يتمتعون باحترام كبير لأمي ، على وجه الخصوص. من التجار إلى أعضاء العصابات - كانوا ينظرون إليها كشخصية أم ". [16]

في عام 2003 ، قالت فرجينيا علي واشنطن بوست أنه خلال هذه الفترة الزمنية ، "توقف المطعم عن بيع الكعك والفطائر لأن الحلوى جذبت المدمنين" ، وأن شرطة العاصمة "قامت بمراقبة تجار المخدرات من نافذة الطابق العلوي في المطعم". [17]

على الرغم من أن ساعات بنز كانت أقصر بكثير ، إلا أنها كانت واحدة من الشركات القليلة التي سادت خلال حروب المخدرات. أثبتت عائلة علي أنها تستطيع الاستمرار في إدارة مطعم محبوب وناجح ، لكن الأوقات العصيبة ستستمر. في عام 1988 ، بدأ بناء مترو الخط الأخضر في الشارع مباشرة أمام مطعمهم. وأشار كمال علي ، أحد أبناء بن ، إلى أن بناء المترو كان "أكثر تدميراً من المخدرات ، لأن الناس لم يتمكنوا من الوصول إلينا لتناول الطعام". [18] على الرغم من الحفرة التي يبلغ ارتفاعها 60 قدمًا أمام المبنى ، وقرار بن بتخفيض عدد الموظفين إلى العائلة واثنين فقط من الموظفين الآخرين ، استمر المطعم في جذب جحافل من النظاميين المخلصين ، والمبتدئين الذين يدخنون نصفهم على حد سواء. [19] استمر البناء من عام 1988 إلى عام 1991 ، وكان بينز هو العمل الوحيد الذي نجا في الكتلة. [20]

تم إنشاء مترو الخط الأخضر مباشرة أمام Ben's في عام 1989. كان Ben هو العمل الوحيد في الكتلة التي نجت من البناء. (مصدر الصورة: موقع Ben's Chili Bowl الإلكتروني)

بمجرد الانتهاء من خط المترو ، شهد حي U Street تجديدًا من نوع ما. [21] بدأت الشركات والمطاعم والمسارح في العودة وأصبح الحي مرة أخرى مركزًا للترفيه والحياة الليلية.

واليوم ، لا يزال مطعم Ben’s Chili Bowl هو المكان الساخن لتناول الطعام في العاصمة ، ويستمر في الترحيب بالمشاهير في أكشاكه الحمراء أو الأكشاك المنجدة بالفينيل - وكلها تعود إلى الخمسينيات من القرن الماضي. لاحظ عمدة العاصمة السابق ماريون باري ذات مرة أنه في رحلة إلى غانا ، التقى عمدة أكرا ، الذي كان خريج جامعة هوارد. كانت أول تحية العمدة لباري ، "سعيد بوجودك في أكرا. هل ما زال مطعم Ben’s Chili Bowl موجودًا؟ " [22] وقبيل تنصيبه في عام 2009 ، توقف الرئيس السابق باراك أوباما عن التدخين.

بينما توفي بن علي للأسف في عام 2009 ، لا يزال المطعم يديره اثنان من أبناء علي ، نظام وكمال ، وتستمر فرجينيا في التوقف بشكل منتظم. سيستمر Ben’s Chili Bowl في الوقوف في شارع U كتذكير "بما كان عليه الحال" في واشنطن ، بينما يمثل في الوقت نفسه التقدم والتغيير والقليل من الفلفل الحار أيضًا.


منزل تاريخي في واشنطن العاصمة مفعم بالمفروشات العتيقة والفن الانتقائي

شاهد كيف صمم المصمم زوي فيلدمان المسكن الخالد ، والذي يسميه زوجان شابان بالمنزل.

عندما اشترت مجموعة من المطورين العقاريين منزلًا ريفيًا تاريخيًا في واشنطن العاصمة ، كانوا عازمين على تحديث كل شبر من المساحة. ومع ذلك ، قبل أن يتمكنوا من تنفيذ رؤيتهم ، تدخل زوجان في الثلاثينيات من العمر لشراء العقار بهدف إعادته إلى أيام مجدها. قام أصحاب المنازل بتجنيد المصمم زوي فيلدمان ، الذي كان واضحًا على الفور في شيء واحد: يجب أن يكون مليئًا بالروح والشخصية.

لعب فيلدمان دورًا في تاريخ المنزل من خلال دمج المفروشات القديمة المختارة بعناية. لإحساس بالتباين ، قامت بتجميع القطع الفريدة من نوعها مع لمسات حديثة وفن انتقائي من المجموعة الشخصية للزوجين. في تصميم المساحة ، احتاجت أيضًا إلى حساب كلب الإنقاذ لأصحاب المنازل ، لذا كانت الخيارات العملية مثل الكراسي الجلدية النباتية والسجاد منخفض الوبر وأقمشة الأداء أمرًا أساسيًا. يجسد الملاذ الأنيق والمريح السمة المميزة لشركة تصميم Feldman ، التي دأبت على إدارتها لأكثر من 15 عامًا. & ldquo هذا يتماشى تمامًا مع جمالياتنا الطبيعية ، ويقول rdquo فيلدمان. & ldquoIt يشعر بذلك خالد بالنسبة لي ، لكنه لا يزال مناسبًا جدًا ومثيرًا للاهتمام حقًا. & rdquo

في حين أن الألوان المحايدة تؤسس المنزل ، إلا أنه يتم تنشيطه أيضًا بالألوان. في غرفة المعيشة ، تسرق الأريكة أريكة Kara Mann for Baker ذات اللون الأصفر المخملي. & ldquoIt بمثابة محايد ، ولكن مع الكثير من الكثافة ، & rdquo يقول فيلدمان. لتعزيز المظهر ، نسج Feldman في طاولة ألعاب Biedermeier ، والتي تعد بمثابة مكان للزوجين للاستمتاع بقهوة الصباح أو قراءة الجريدة أو استخدامها عند الترفيه عن العائلة والأصدقاء.

ميزة أخرى هي غرفة النوم الرئيسية ، التي تم تزيينها بورق حائط زهري أنيق من William Morris. & ldquo على الرغم من أنه يحتوي على لون ونمط ، إلا أنه لا يزال يشعر بالحياد والهدوء ، كما يقول فيلدمان. & ldquo ليست فوضوية على الإطلاق. & rdquo تم تركيب خزانات ملابس مخصصة لتعويض نقص مساحة الخزانة وسرير نهاري مدمج كبير يضيف إلى شعور السيد المريح.

كما يتم عرض ميل فيلدمان للون والنمط في الحمامات. يتميز الحمام الرئيسي ببلاط أرضي مدهش باللون الأزرق الداكن المزخرف بنقوش متعرجة يكمل الجدران البيضاء النقية. كان هناك أيضًا تحدٍ كبير في التصميم يجب التغلب عليه: أجبرت النافذة فيلدمان على المخاطرة بتثبيت سباكة الدش مباشرة على بابها الزجاجي. & ldquo لم أفعل هذا من قبل ، ولكن انتهى به الأمر في الواقع إلى العمل بشكل جميل لأنك تدخل إليه وترى الجزء الخلفي من السباكة وهذا الدش المكشوف بشكل جميل. "تشمل اللحظات الأخرى غير المتوقعة حمامًا للضيوف مُغلفًا بورق حائط Schumacher's & ldquoLeaping Leopards & rdquo ، على طول مع غرفة المسحوق و mdash حيث يتضاعف ورق جدران Pierre Frey's & ldquoLe Couple & rdquo كفن مؤطر و mdashthat's في Farrow & amp Ball's Bancha.

بالنسبة لغرفة الطعام ، قرر فيلدمان تقديم تمييز واضح عن غرفة المعيشة والمطبخ. لقد أنجزت ذلك من خلال إجراء حركتين جريئتين في التصميم: طلاء السقف باللون الأسود وتركيب ورق حائط محايد محكم في طباعة هندسية من بيير فراي. تخلل فيلدمان المساحة بعد ذلك بمصابيح طاولة كبيرة الحجم وأعمال فنية لسانت فرانك وظل روماني باللون الأخضر و mdashone للألوان المفضلة للزوجة الموجودة في مناطق أخرى في جميع أنحاء السكن.

يضيء اللون الأخضر مرة أخرى في المطبخ ، حيث تظهر غرفة Farrow & amp Ball's Card Room Green على الخزانة ، مما يؤدي إلى ظهور المنحنيات الأنيقة في المساحة. أضافت أيضًا تركيبات نحاسية وغطاء جبس وبساط أوشاك عتيق لتجميع التصميم معًا. إنه خروج مهم عن المطبخ السابق العاري الأبيض بالكامل.

ونظرًا لأن كل مصمم يفهم قوة الانطباع الأول القوي ، فقد خاطب فيلدمان الردهة بنفس البريو المثير للإعجاب الذي يظهر في كل مساحة تقريبًا في المسكن. هنا ، مصابيح طاولة منحوتة عتيقة وقطعة فنية مجردة ملونة من Jenny Prinn تضفي الطابع الشخصي. طاولة كونسول عتيقة مع سطح رخامي و mdashan أخرى تجد و mdash تهيمن على مخطط التصميم. كان أصحاب المنازل مفتونين بشكل خاص بمظهرها القديم ، وهي سمة تقول فيلدمان إنها جعلت المشروع أكثر إمتاعًا لها وفريق التصميم الخاص بها. & ldquo عندما ظهرت قطعة عتيقة ولم تكن مثالية بنسبة 100 في المائة وكانت تحتوي على القليل من النكهة أو الانحناء فيها ، فقد كانوا على ما يرام تمامًا مع ذلك لأنها كانت جزءًا من القصة ، ويوضح فيلدمان ، مشيرًا إلى أن حواف وحدة التحكم متآكلة قليلاً . & ldquo كان بإمكاننا استعادته ، لكننا أحببنا الشعور الذي نعيش فيه. & rdquo

في حين أن مهمة فيلدمان قد انتهت ، فإن عمل أصحاب المنازل لم ينته بعد ، حيث كانت تنوي تطوير الديكور جنبًا إلى جنب مع ذوقهم بمرور الوقت. & ldquo عندما تم الانتهاء من المنزل ، أرادوا حقًا أن يستمر في التطور وألا يشعر بالثبات الشديد ، & rdquo فيلدمان يقول. &ldquoIf they find a great piece of art or furniture on their travels, there's still room for it. It's a living space.&rdquo


Willie Mae’s Scotch House Makes Finals

Bon Appetit magazine’s September 2007 Restaurant issue features three finalists in a list of quintessential versions of six American classics: pizza, steak, tacos, hamburgers, fried chicken, and ribs. Winner will be announced on the Food Network on Aug. 18 ( Good Eats with Alton Brown , 6 and 10 pm CDT). The finalists:

PIZZA: Pizzeria Bianco, Phoenix DiFara Pizza, Brooklyn, NY Pizzeria Mozza, Los Angeles
STEAK: Peter Luger Steak House, Brooklyn Cut, Los Angeles Doe’s Eat Place, Greenville, Miss.
TACOS: Taco Taco Cafe, San Antonio Taqueria del Sol, Atlanta South Beach Bar & Grill, Ocean Beach, Calif.
HAMBURGERS: Bobcat Bite, Santa Fe, NM Taylor’s Automatic Refresher, St. Helena, Calif The Meers Store and Restaurant, Lawton, Okla.
FRIED CHICKEN: Willie Mae’s Scotch House, New Orleans Price’s Chicken Coop, Charlotte , NC Blackberry Farm, Walland, Tenn.
RIBS: Charles Vergos Rendezvous, Memphis 17th Street Bar & Grill, Murphysboro, Ill Jaspers, Plano, Texas.

The magazine also features favorite restaurant recipes, including: Lucia’s in Minneapolis-St. Paul Eve in Ann Arbor, Mich. Dali Restaurant & Tapas Bar in Somerville, Mass. Binkley’s Restaurant in Cave Creek, Ariz. Kelly Liken Restaurant in Vail, Colo Pizzeria Mozza in Los Angeles and Park Kitchen in Portland, Ore. … And the mag also features 12 small restaurants and their recipes, including: The Little Owl, New York City The Good Fork, Brooklyn La Laiterie at Farmstead, Providence, RI Cremant, Seattle Bonne Soiree, Chapel Hill, N.C. Hatfield’s, Los Angeles Canteen, San Francisco Revolver, Findlay, Ohio Le Pigeon, Portland, Ore and Komi, Washington, DC. epicurious.com/bonappetit

IN THE NEWS: Tom Fitzmorris’ The New Orleans Menu spotlights Vietnamese eatery Saigon Grill (Mandeville: 2890 E Causeway Blvd.) as well as his Top 10 Steak Houses, topped by Emeril’s Delmonico (1300 St. Charles Ave.), which he calls the best Emeril’s restaurant in the area. nomenu.com … Gambit Weekly ‘s Ian McNulty reviews Chef Eddie Ray King’s Orleans Grapevine Wine Bar & Bistro (720 Orleans Ave., http://www.orleansgrapevine.com). bestofneworleans.com … The Times-Picayune ‘s Brett Anderson examines how restaurants are handling the hot summer months. … Anderson also reports, “By this time next year, the bread pudding soufflé at Commander’s Palace will be available with a harbor view. The famous Garden District restaurant plans to have a new location in Destin, Fla., in time for the vacationing crowds. Commander’s will be a part of HarborWalk Village, a resort development rising along the beach town’s waterfront.” nola.com


Cooper Hewitt Director Plans to Raise Museum’s Profile With Reopening

Caroline Baumann, director of the Cooper Hewitt. The design museum reopens on Friday after a three-year renovation.

Pia Catton

The Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum is mere blocks away from the crowds pouring daily into the Metropolitan Museum of Art and the Solomon R. Guggenheim Museum, but for Caroline Baumann, that only adds to her frustration.

“If you ask tourists exiting the Guggenheim, ‘What is Cooper Hewitt? Where is Cooper Hewitt?’ ” she said, “maybe seven out of 10 won’t know. Or even higher.”

Ms. Baumann, the design museum’s director, has been striving for years to change that, and starting Friday, she may have her chance.

After a three-year, $81 million renovation, during which the museum was closed to the public, a reinvigorated Cooper Hewitt is set to reopen. The 1902 mansion that was once Andrew Carnegie’s home now has 60% more gallery space, interactive elements to highlight its collection, and free access to its cafe and garden starting at 7:30 a.m. daily.

Visitors will be able to touch objects and try their hand at design in a new lab, compare centuries of tools in a new exhibition, and step into an “immersion room” where they can see or create wallpaper designs that are then projected onto the walls.


The New Serenity

In 1997 Frank Gehry pulled off what many critics still see as an architectural miracle. His ebulliently sculptural Guggenheim Museum in Bilbao, Spain, transformed a declining industrial city in the Basque region into a global tourist attraction. Art-museum trustees and directors in other cities quickly tried to imitate the so-called Bilbao effect. They hoped that a spectacular cultural facility would inspire a similar success story: rebranding their communities, boosting the local economy, and attracting tourists in droves. The Milwaukee Art Museum built a spectacular expansion with winglike canopies designed by Santiago Calatrava of Spain. The Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C., plans to break ground next year on a shiny, metal-clad expansion designed by Gehry. And Daniel Libeskind, co-architect of the Freedom Tower at Ground Zero in New York, designed a craggy, sharp-edged expansion for the Denver Art Museum, scheduled to open in the fall of next year.

But eight years after Bilbao, a reaction is setting in. While art museums in the United States are expanding at a breathtaking pace, the desire to emulate Gehry&rsquos Spanish miracle looks increasingly like the exception, not the rule. And while museum directors continue to justify large expansion projects in terms of the tourism and attention they attract, they&rsquore talking less and less about spectacular architecture as a primary goal. Instead, they emphasize the importance of showcasing collections, creating larger spaces suitable for the demands of contemporary art, and serving local audiences rather than attracting tourists.

The new ethos is in part a response to criticisms that Gehry&rsquos architecture in Bilbao, while a powerful artistic statement in itself, at times overshadowed the contents of the museum. Financial reality is also behind the shift. In today&rsquos straitened economic climate, museums have been less inclined to market themselves as civic trophies that swagger on the skyline. Museum directors and their boards have been chastened by the example of Milwaukee, where Calatrava&rsquos dramatic design led to a $25 million debt in 2000, from which the museum is only now beginning to recover. Also significant is the example of the Bellevue Art Museum outside Seattle, which closed its doors in 2003, shortly after having opened a beautiful $23 million building designed by Steven Holl&mdashproving, perhaps, that eye-catching architecture isn&rsquot everything. In this case, according to numerous press accounts, exhibitions failed to attract attendance, which led to a shortfall in revenue for an institution that was, in essence, undercapitalized. (The museum is scheduled to reopen later this year as a center for crafts and design.)

So while star architects such as Gehry, Libeskind, and Rem Koolhaas continue to design high-impact cultural buildings around the world, art museums in the United States have been retreating from explosive innovation to a more restrained Modernism and a mood of tranquil equipoise. At the same time, art museums are generally avoiding historicist quotations of architectural styles from the past. Postmodernism, as an approach to museum design, is out of fashion.

If one architect crystallizes the moment, it is the Italian-born Renzo Piano, whom James Cuno, director of the Art Institute of Chicago, calls the &ldquomost sensitive and profound architect designing museums today.&rdquo Known for the luminous use of daylight he achieved at the Menil Collection in Houston in 1987, Piano has won commissions for more than a half dozen of the most important current art-museum projects. They include expansions proposed for the Isabella Stewart Gardner Museum in Boston the Art Institute of Chicago the Whitney Museum and the Pierpont Morgan Library in New York the High Museum of Art in Atlanta the Los Angeles County Museum of Art and the Nasher Sculpture Center in Dallas.

&ldquoFor every action there is an equal and opposite reaction,&rdquo says Willard Holmes, director of the Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut. &ldquoPeople look at Piano&rsquos architecture and see it as an antidote to Gehry&rsquos architecture. They both build wonderful spaces, but Piano holds out the promise of something that is calming rather than energizing, something that is serene rather than active.&rdquo Of course Piano isn&rsquot the only advocate of what might be called the New Serenity. Other examples of the more subdued approach include the $48.6 million Figge Art Museum in Davenport, Iowa, designed for a site along the Mississippi River by architect David Chipperfield of England as a series of rectangular forms sheathed in delicate lattices of glass and metal. Also notable is the widespread enthusiasm for the work of Japanese architects, whose austere esthetics have been embraced by many American museums. Japanese Modernists Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa have been chosen to design a recondite tower of stacked, boxy shapes on the Bowery in New York for the New Museum of Contemporary Art and a ghostly, minimalist building for the new Glass Pavilion at the Toledo Museum of Art. Tadao Ando, known for his elegant use of glass and concrete, designed the Modern Art Museum of Fort Worth and the Pulitzer Foundation for the Arts in St. Louis. And Yoshio Taniguchi, who just completed the expanded Museum of Modern Art in New York, has been tapped to design a new building in Houston&rsquos museum district for Asia House of the Asia Society Texas.

&ldquoPeople are thinking twice about destination architecture because they&rsquore beginning to realize that to survive and remain a very viable and good museum, you&rsquove got to have a good place to show the work,&rdquo says Agnes Gund, president emerita of the Museum of Modern Art in New York. As president from 1991 to 2002, Gund helped lead the museum through an $858 million capital campaign that paid for the $425 million expansion and renovation. Gund also played a leading role in setting the tone for Taniguchi&rsquos minimal, elegant, and classically Modernist design, which has been praised widely. &ldquoSexy architecture is very good, but it doesn&rsquot work for the purpose that it&rsquos supposed to serve,&rdquo she comments.

Citing similar arguments, other museum directors say their projects are not at all like the Guggenheim Bilbao, conceptually or architecturally. &ldquoBilbao was an aberration,&rdquo says Kathy Halbreich, director of the Walker Art Center in Minneapolis, which will inaugurate its own expansion and renovation on the 17th of next month. &ldquoThe aberration was that there&rsquos only one Bilbao, in part because of Gehry&rsquos architecture. It&rsquos a place of pilgrimage, and I don&rsquot think places of pilgrimage can ultimately be sustained. Pilgrims don&rsquot sustain communities&mdashlocal audiences sustain communities. And it&rsquos the programs that are the heart and soul of any building.&rdquo Halbreich describes the Walker&rsquos expansion&mdasha $67.5 million project designed by the Swiss firm Herzog & de Meuron, renovation architects of the Tate Modern in London, as well as its recently announced, upcoming expansion&mdashas &ldquoenormously mission-centered,&rdquo not an architectural gesture for its own sake.

The projects in New York, Minneapolis, and other cities are part of a wave of art-museum construction that certainly owes part of its strength to the success of the Guggenheim Bilbao. Despite the economic slump that started in 2000, and the impact of terrorism and the
war in Iraq, dozens of art museum expansions and renovations are under way from the coasts to the heartland, in what surely constitutes one of the biggest booms of its kind in American history.

Signs of a new mood in museum architecture include the Los Angeles County Museum of Art and the Whitney&rsquos choices of Piano to design their expansions after having both scrapped flamboyant proposals by Koolhaas. The Los Angeles museum&rsquos director Andrea Rich declined to comment on the reasons for dropping Koolhaas, who would have demolished much of the museum&rsquos existing complex before replacing it with a gigantic canopy over reconstructed galleries. Whitney director Adam Weinberg, who joined the museum after its board decided not to proceed with Koolhaas, says he has no direct knowledge of the decision to cancel a $300 million Koolhaas proposal, which called for a tower that would have been cantilevered over the museum&rsquos bunkerlike 1966 building designed by Marcel Breuer. &ldquoI&rsquom a great admirer of Rem Koolhaas, and he had quite an amazing vision for the Whitney,&rdquo says Weinberg. &ldquoBut I would like to get away, frankly, from the comparisons&rdquo between Koolhaas and Piano. Nevertheless, he says, &ldquoRenzo&rsquos work has a kind of classicism to it. He has this way of finding that right balance between tension and composure.&rdquo

The Art Institute of Chicago&rsquos $135 million expansion, for which the museum plans to break ground this spring, will rise on an unsightly, abandoned area on the northeast corner of the museum&rsquos property, which faces the newly completed Millennium Park complex designed by Gehry near the city&rsquos lakefront. Cuno says the addition is intended to bring the area to life. But Piano&rsquos design for the project was driven primarily by internal needs, rather than by the desire to compete with the undulating sunburst of Gehry&rsquos metal-clad band shell and concert facility across the street. &ldquoThe project was designed to advance the core mission of the museum,&rdquo says Cuno. &ldquoIt was designed to add more gallery and education space, rather than temporary exhibition space or retail shops.&rdquo

Despite the trend toward conservative Modernism in museum design, there are powerful exceptions. David Gordon, director of the Milwaukee Art Museum, unabashedly champions Milwaukee&rsquos decision to build the expansion designed by Calatrava, with winglike, mechanized sunscreens that open and close. He says the museum has raised $19 million to pay off its $25 million debt, and he believes it will gather the rest. A native of Great Britain, Gordon says he has adopted an American, can-do attitude. &ldquoIn the States you do something ambitious, you go out on a limb, you find a way to raise money, and you ride on,&rdquo he says.

Mitchell Kahan, director of the Akron Art Museum, is confident he&rsquoll raise the additional $10 million he needs to complete the museum&rsquos $38 million expansion, which will be the first in the United States designed by the chic Viennese architecture firm Coop Himmelb(l)au. The building, an addition to the late-19th-century post office that now houses the museum, will feature a dramatic, winglike roof floating over masonry-enclosed galleries and a glassy lobby with canted walls of glass. &ldquoIf cultural institutions do not embrace innovation in architecture, no one will,&rdquo says Kahan. &ldquoIt is truly our responsibility to push the envelope, because the commercial sector will not.&rdquo Kahan also believes art museums need to stretch financially to make significant architectural statements. &ldquoAt Milwaukee the focus is on the cost overrun,&rdquo he says. &ldquoThat&rsquos a choice they made, and I admire it. A few years of tightening the belt is nothing compared with having something that serves the community for the next century. I don&rsquot know why people are so critical.&rdquo

If there&rsquos one museum project in the United States clearly influenced by Bilbao, it&rsquos the Denver Art Museum&rsquos $90 million addition, a Libeskind composition in jagged, thrusting shapes clad in titanium, like Gehry&rsquos building and Libeskind&rsquos own breakthrough project, the Jewish Museum in Berlin, completed in 1998. Denver museum director Lewis Sharp says he first dreamed of making an architecturally dramatic statement when he attended the opening of the Guggenheim Bilbao at the invitation of a Denver Art Museum trustee whose company had manufactured titanium panels for the gleaming, fish scale&ndashlike facades of Gehry&rsquos building.

&ldquoI was completely knocked over,&rdquo Sharp says. &ldquoIt was an incredible visual experience.&rdquo He also remembers thinking that if he ever had the chance to expand the museum in Denver, &ldquoI hoped we would do something as bold and as exciting to house our future program.&rdquo Now, after eight years and a successful, $120 million capital campaign, construction of the Denver museum&rsquos addition is well under way. A pedestrian bridge will connect it to the Brutalist castle designed for the museum in 1971 by Gio Ponti of Italy. Sharp estimates that when the expansion opens in late 2006, Libeskind&rsquos architecture will be a major factor in boosting attendance to 1 million from 400,000 in the first year, before settling down to 600,000 or 700,000. &ldquoThis building is going to attract people from around the country and around the world,&rdquo he says.

But Sharp also describes the project as a cultural expression of a moment of financial opportunity and civic optimism that occurred in the late 1990s&mdashbefore the stock market downturn that started in early 2000. In 1999 the Denver museum raised the money for its Libeskind project with ease, winning $62.5 million in a citywide vote on a municipal bond, and then gathering another $61 million privately within three months. Emboldened by that momentum, the city added a privately developed condominium tower, also designed by Libeskind, next to the museum and its parking garage. But Sharp says that starting the project today, in the gloomier economic climate, would be impossible.

Libeskind defends the idea of the museum as spectacle. &ldquoI don&rsquot admire neutrality,&rdquo he said at a panel titled &ldquoBeyond Bilbao: Museum Architecture in the 21st Century,&rdquo recently held in New York by the Art Dealers Association of America. &ldquoPeople expect more of life today, more of their coffee, more of their environment, of what they see. Why shouldn&rsquot museums be any different?&rdquo

The Wadsworth Atheneum wasn&rsquot quite as fortunate in its timing as Denver. The museum&rsquos effort to raise $120 million in a capital campaign for a controversial and architecturally ambitious project designed by UN Studio of the Netherlands was hobbled by the stock market downturn, by 9/11, and by the sheer difficulty of raising money in a region bracketed by big museums in New York and Boston. After internal conflict over the UN Studio design, the Atheneum&rsquos former director, Kate Sellers, resigned in fall 2002, followed by board president George David and five other trustees in early 2003.

&ldquoThe museum came to the party of the 1990s late, and by the time it got its building designed and its campaign going, there was a huge competition within the Northeast region for dollars,&rdquo says Holmes. &ldquoI think there was an overreliance on dramatic architecture to solve the Atheneum&rsquos problems.&rdquo Holmes adds that the project collapsed not only because of its polarizing design but also because it was a stand-alone effort, not part of a larger, civic revival. &ldquoThere was not a coordinated effort on the part of state, local, and corporate interests to find a way to revive the fortunes of Hartford.&rdquo Now, under Holmes, the Atheneum is exploring the idea of a more modest expansion to provide additional exhibition space, along with moving its offices to a renovated building across the street.

In a less traumatic manner, the state-owned North Carolina Museum of Art in Raleigh changed course when it got a cool response from donors and legislators to a $100 million expansion plan designed by Richard Gluckman in 2001. The plan would have enlarged the museum&rsquos original building, designed by Edward Durell Stone and completed in 1981. But it was judged too big a hurdle in the economic downturn earlier in this decade. The museum changed direction decisively when the state tore down an adjacent prison and donated the land to the museum, creating a new expansion opportunity. It hired architect Thomas Phifer of New York, a former associate of Richard Meier, to design five glassy pavilions separated by gardens and reflecting pools along the ridgetop site of the former prison. The new $70 million plan provides the space the museum needs, and it&rsquos cheaper.

Other major urban art museums that embarked on expansions after the 1990s are moving ahead, although more slowly than they anticipated. After three years of raising money quietly for a $425 million expansion and renovation designed by Sir Norman Foster of Great Britain, the Museum of Fine Arts, Boston announced last September that it had raised $245 million for the project. While it is a record for a cultural institution in Boston, it still leaves the museum with 42 percent of the balance to raise for the project. Foster&rsquos design, which aims to insert a &ldquocrystal spine&rdquo of galleries and walkways into existing museum courtyards, is not so much aimed at giving the museum a new signature statement as at clarifying and expanding its confusing, haphazardly organized interior.

The Detroit Institute of Arts has raised $230 million to increase its endowment and to pay for a long-delayed renovation designed by Michael Graves in 1988. But the museum has been stymied by state-budget cuts and squabbles over governance with the city of Detroit, which owns the museum&rsquos building, though not its collection. Director Graham Beal recently announced yet another delay after the museum found it had to spend $57 million to remove asbestos from parts of the building. The discovery has increased the goal of the museum&rsquos capital campaign to $410 million from $330 million, and pushed back the completion of the project to 2007. Officials at the Cleveland Museum of Art had originally hoped to break ground this fall for a $225 million renovation and expansion designed by Rafael Vi_oly. But as of January they had announced neither how much they had raised nor a date for the groundbreaking.

One thing most museum directors agree on: all that new space will be necessary. In particular, they feel confident that there will be an ample supply of new art to fill the sizable spaces for contemporary art included in many of the new expansions.

&ldquoThere&rsquos going to be no end to this,&rdquo Cuno says. &ldquoThat&rsquos one of the great glories of museum work. There&rsquos always going to be more art made in the future. It&rsquos a growth industry. More people are going to live longer, and therefore more people will make art over longer periods than in the past, and there are going to be more people around to appreciate it.&rdquo

Steven Litt is the art and architecture critic of التاجر العادي in Cleveland.


شاهد الفيديو: إفتتاح معرض الفن التشكيلي - مهرجان صيفي ثقافي 11


تعليقات:

  1. Kaga

    نعم حقا. أنا أتفق مع كل ما سبق. دعونا نناقش هذا السؤال.

  2. Walker

    شكرًا جزيلاً على المعلومات ، فهذا يستحق حقًا أن أضع في الاعتبار ، بالمناسبة ، لم أتمكن من العثور على أي شيء معقول حول هذا الموضوع في أي مكان في الشبكة. على الرغم من أنني في الحياة الواقعية عدة مرات ، صادفت حقيقة أنني لم أكن أعرف كيف أتصرف أو ما أقوله عندما يتعلق الأمر بشيء من هذا القبيل.

  3. Felton

    إنها توافق ، إنها قطعة مسلية

  4. Diji

    أعتقد أنه خطأ. أنا متأكد. نحن بحاجة إلى مناقشة. اكتب لي في رئيس الوزراء ، تحدث.

  5. Kendal

    إنه لأمر رائع ، هذه الرسالة القيمة

  6. Tujind

    أوصي بالعثور على إجابة سؤالك على google.com

  7. Caindale

    بلوق في القارئ بشكل لا لبس فيه

  8. Mateo

    بوضوح، شكرا جزيلا لهذه المعلومات.



اكتب رسالة